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26 SEPTIEMBRE 2016
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>Entrevista a José Mateos

`Todas las cosas dicen sí`

Fernando de Haro

José Mateos es un hombre del sur, del Estrecho, de esa tierra que hay entre Algeciras y Cádiz Una tierra con un azul, un verde, y una luz que invita a adentrarse en el misterio de las cosas. Quizás esa luz explica, en parte, la obra de José Mateos, poeta y escritor de cuentos. Acaba de publicar un nuevo libro que se titula Silencios escogidos (Comares).

En Silencios escogidos encontramos un género especial, las divinanzas.

Las divinanzas son aforismos, sólo que los aforismos que yo intento escribir no tratan de ser frases ingeniosas o brillantes, sino máximas con un plus de trascendencia, y el misterio que nos rodea.

Hablas de silencio. En una de esas divinanzas dices: “Menos el hombre, todas las cosas han aprendido a hablar ocultando que hablan”. ¿Qué es el silencio?

El silencio puede ser muchas veces lo que oculta algo, una manera de esconderse. Hay un silencio que es el silencio previo a una revelación, y en ese sentido yo hablo de la palabra “silencio”. El aforismo siempre es un género que deja que las palabras transpiren silencio para que el lector sea el que llene ese silencio con sus reflexiones y con lo que se le ocurre a partir de esa revelación, que debe ser siempre un aforismo.

Dices que el exceso de información tapa ese silencio. “De noche, cuando los aparatos se callan, escuchando los gemidos de la verdad, asfixiándose bajo montones de información”. ¿La sobreinformación oculta la verdad?

Hoy en día, sí. Creo que hay una abundancia excesiva de información. La información es muchas veces algo que resbala al hombre, y el conocimiento es algo que es diferente de la información. El conocimiento requiere tiempo, requiere paciencia, requiere atención, mientras la información es algo que llega y, en fin, simplemente son unos meros datos sin más nada.

Me impresionó hace unos días lo que contabas en tu blog. Estabas en casa mirando a través de los cristales, viste unas hojas y contabas que esas hojas te transportaron “hasta lo que no puede ser dicho. Aunque ahora –añadías– para mí todo lo que existe lo diga”. ¿Qué es lo que dicen las cosas que no puede ser dicho?

Basta mirarlo con un poco de atención y de amor. Las palabras quizá están muy gastadas para decirlo. Basta mirar las cosas con esa gracia que a veces nos es concedida para ver que todo canta, que todo está diciendo sí, aceptando, dando las gracias a algo que está más allá de las palabras porque no puede ser dicho y sin embargo cualquier cosa que digamos en realidad está encerrando eso que muchos vemos en la palabra “Dios”. Aunque la palabra “Dios” se queda pequeña para eso tan inmenso que es un amor absoluto.

¿Por qué no escuchamos a menudo lo que dicen las cosas?

Porque requiere una atención, vamos a todo con prisas, y ponemos en las cosas las ideas con las que ya vamos. Muchas veces nos han enseñado a no mirar, sino precisamente a llenar las cosas de ideas preconcebidas, de prejuicios, de lugares comunes, y muchas veces hay que quitar todo eso de en medio para ver lo que nos rodea, que en realidad no es otra cosa que un enorme misterio pero un misterio afirmativo, lleno de esperanza y confianza hacia el mundo que nos rodea. Tenemos que aprender a confiar.

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'Todas las cosas dicen sí'

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Arte y maravilla en El Escorial

Mª Fe Viñarás Tundidor

El 23 de abril de 1563, previas oraciones de rodillas del arquitecto, Juan Bautista de Toledo, el prior y el contador de las obras, se ponía la 1ª piedra del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial. Unos meses después, con más solemnidad y ante la presencia de su fundador, Felipe II, se ponía la 1ª de la basílica. Para conmemorar los 450 años del inicio de las obras, se inauguró en septiembre del 2013 una exposición en el Palacio Real de Madrid titulada De el Bosco a Tiziano. Arte y maravilla en El Escorial. Aquí se puede ver hasta el 12 de enero, pero tendrá una 2º sede este año en San Lorenzo de El Escorial, en La casa de Oficios, frente a la fachada N. del monasterio (a fecha de hoy Patrimonio Nacional todavía no puede decir el día de la inauguración).

Hay que empezar por decir que el título no es muy afortunado, ya que hace pensar en una muestra de pintura centrada en unos maestros y tiempo muy concreto, el que va de El Bosco a Tiziano. Sin embargo el proyecto expositivo responde a un propósito distinto, muy ambicioso y complejo, que según expone en el catálogo su comisario, Fernando Checa, es el de “avanzar en el conocimiento de los fundamentos culturales e ideológicos del conjunto de obras de arte con el que Felipe II dotó al monasterio de El Escorial entre 1563 y 1598, sin olvidar en ningún momento su propia arquitectura clasicista”. En el mismo texto explica que lo hace a partir de 3 conceptos fundamentales, propios del Renacimiento y de la forma de entender la Contrarreforma de su fundador: “ Maravilla” o “cámara de maravillas”, “espejo de la sabiduría divina” y “archivo sacro”. Estas 3 ideas aclaran y precisan el sentido de este monumento, que son la que dirigieron su construcción e utilización durante la vida de Felipe II, y las que articularon arte, poder y religión en una unidad que no sólo se materializa en el continente, sino también en el contenido, es decir, en los objetos muebles.

La base para el estudio de todos estos objetos es la abundante documentación que generó y que ha llegado a nuestros días, excepcional para una fundación de esa época, entre  la que destacan “Los libros de entregas”, especie de registro de entrada del ornato del edificio, que se han publicado completos por 1ª vez y bajo la dirección del comisario de esta exposición en noviembre pasado.

La exposición pretende llamarnos la atención y hacernos comprender y apreciar mejor el sentido de estas entregas, mostrando en una pequeña selección de 55 objetos, aquéllos que destacan por su calidad y espectacularidad, muchos no expuestos en la visita normal del Monasterio. Aunque la mayoría pertenecen a Patrimonio Nacional, hay algunos préstamos de la Biblioteca Nacional, Museo del Prado, Museo del Louvre, National Gallery de Londres y la National Gallery de Dublín.

Se nos introduce en la exposición con la serie completa de los 11 diseños de Juan de Herrera grabados por Perret, para que veamos su relación con esas “microarquitecturas” que son muchos de los relicarios, algunos tan impresionantes como el que reproduce el antiguo Duomo de Milán. Las mismas formas geométricas y relaciones de proporción rigen en lo grande como en lo más pequeño, dando una sensación de armonía y unidad. Hay un sentido estético con referencias claras a la Antigüedad, sobretodo Vitrubio, pero con una lectura cristiana basada en los escritos de San Agustín (De vera religione, De ordo y, sobretodo, De Civitas Dei). El monasterio sería así un reflejo de la sabiduría divina y una “Ciudad de Dios” (por eso la presencia de la pintura de Sánchez Coello con San Jerónimo y San Agustín, donde éste aparece representado con la maqueta de El Escorial en la mano).

Arte y maravilla en El Escorial

Mª Fe Viñarás Tundidor | 0 comentarios valoración: 3  1428 votos

Isabel Ordaz: 'Soy muy amiga de Santa Teresa'

Enrique Chuvieco

La actriz, que se declara ideológicamente independiente, contraria a la subida del IVA para el teatro y a la “usura” de empresarios del sector

Jugosa en su decir, le colorean las palabras en la boca, porque desde niña procuraba “ser precisa con las expresiones”. Famosa en series televisivas (Aquí no hay quien viva, La que se avecina) denuncia y se entristece por el deterioro actual del teatro y de la cultura, “que nos incumbe a todos”, debido a la “insensibilidad institucional y por unos empresarios que están especulando”. En su trayectoria, ha tenido que “batirse el cobre con personajes, como la reina Isabel, que han requerido de ella “tonos dramáticos bastante altos”. Auna actuación y escritura en la misma vocación de narrar historias, y lo ejemplifica en los relatos de Despedidas, que ha publicado recientemente con Huerga y Fierro Editores.

-Tu obra  de relatos cortos se llama Despedidas, ¿de quién?

De personajes de mi pasado o imaginarios de los que tenía sensación de conclusión de cada uno de ellos. -

-¿Cómo definirías tu niñez, trascurrida en el barrio de…?

¡Nací en El Rastro, en el Foro Foro! Mi barrio era alegre, sensual, colorista, de muchas sensaciones (olores, sabores…). Los niños jugábamos mucho en la calle sin peligro a que nos raptaran. Mi familia era de clase obrera, con pocos recursos, lo que me creaba cierto estigma de clase. Excepto una comunidad gitana de alto poder adquisitivo (anticuarios, gente relacionada con el flamenco…), con la que convivíamos pacíficamente, y pequeños artesanos y comerciantes, el resto era gente obrera.

-De pequeña, ¿ya “actuabas” para que no te cayeran las broncas?

¡Yo bailaba. Nací bailando! Tuve una necesidad de expresarme desde muy pequeña. Usaba continuamente las palabras y mis amiguitas se burlaban de mí. Decían que era cursi, porque trataba de ser precisa con las expresiones. Creo que lo hacía por hacerme más importante: si yo hablaba bien, creía que pertenecía a una clase social más selecta.

-Tu carrera comenzó con un corto después de la veintena.

Antes comencé a estudiar arte dramático porque me lo propuso una amiga argentina. Yo tenía la necesidad de expresarme, porque mi personalidad era claramente dramática, producto de la confluencia de una serie de factores. A pesar de que siempre me interesó mucho la literatura, en el teatro hay un componente físico que no tiene la escritura.

Me pilló una generación muy interesante, la de la Transición, en la que vinieron muchos argentinos y se abrieron un sinfín de escuelas de teatro, dando lugar a una formación más técnica que anteriormente no existía.

-En alguna entrevista, has dicho que algunos de tus papeles para televisión te recordaban a mujeres sumisas de tu familia.

Mi producción en televisión es mínima comparada con cine y teatro, aunque es verdad que mis personajes han tenido mucha repercusión. En teatro, he hecho grandísimos papeles que no tienen nada que ver con los de televisión.

Abordé el maltrato, un tema doloroso y más complejo de lo que cree la gente, porque hice una obra de Dulce Chacón, dirigida por Eduardo Vasco, hasta hace poco director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, que se llamaba Algún amor que no mate. Era un soliloquio de una mujer en el que desdoblaban su personaje. Éramos dos actrices: la parte romántica y la trágica. Fue un montaje maravilloso, enfocado exquisitamente, que quedó dentro de la memoria colectiva de quien la vio. Estuvimos un año de gira.

Isabel Ordaz: 'Soy muy amiga de Santa Teresa'

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Una cuestión de tiempo

Víctor Alvarado

La comedia de calidad parece que está reñida con los autores de los últimos años, que buscan el chiste fácil. Sin embargo, este año hemos podido disfrutar de otro estilo de comedias como El Cuarteto de Dustin Hoffman, Llévame a la luna de Pascal Chaumeil y la cinta que nos disponemos a analizar.

Tim es un chico tímido, desafortunado en amores. Él mantiene una estrecha relación con su padre, que le explica que los varones de la familia tienen la capacidad de viajar al pasado y corregir pequeños errores, siempre que se cumplan unas  determinadas reglas.

Las películas de viajes en el tiempo han sido utilizadas para contar historias en diversos géneros como el de la ciencia ficción, el drama, las aventuras o, en este caso, el de la comedia romántica.  Una cuestión de tiempo (2013) ha sido dirigida por Richard Curtis, que ha firmado los guiones de Cuatro bodas y un funeral, Notting Hill, así como ha escrito varios episodios de la serie Mr. Bean, aunque como cineasta fracasó con Love Actually, pero con esta película nos ha maravillado a todos. En declaraciones a Fotogramas defendió su producto del siguiente modo: “Estamos ante una historia en el fondo sencilla. La escusa del viaje en el tiempo sirve para ser todavía más realista en como mostrar a los personajes lo que sienten. Lo de la máquina del tiempo es una forma de contar un cuento de hadas, pero la clave se encuentra en no obsesionarse con lo que pudiste hacer y si con lo que has hecho y vives cada día. Vive el presente y no te preocupes: el viaje en el tiempo es levantarse cada mañana y vivir ese día”. La verdad es que este es su mejor trabajo con diferencia, por su capacidad no sólo para entretener y divertir, sino para hacernos reflexionar, combinando con maestría escenas simpatiquísimas con otras más profundas que puede hacer soltar alguna que otra lágrima. El referente cinematográfico con la que guarda ciertos paralelismos es, sin duda, Atrapado en el tiempo, aunque con matices distintos. El buen montaje y la pegadiza banda sonora hacen el resto.

El realizador ha mezclado a actores menos conocidos como Domhnall Glesson que está muy convincente con intérpretes de mayor entidad como Rachel McAdams, que se está convirtiendo en la reina de la comedia y Bill Nighy, que llegará a ser uno de los grandes padres de la historia del cine por su sencillez y por su amor a los libros y la literatura. Finalmente, el secundario de lujo es Richard Cordery, que es el tío de Tim, cuyas breves intervenciones harán las delicias de los espectadores. Desde luego, su personaje nos parece memorable.

La cinta refleja a la familia como el lugar donde refugiarse para sentirse comprendido y más seguro. El autor ha querido mostrarnos que tenemos que intentar alcanzar la felicidad en lo cotidiano, en el día a día, aceptando los reveses que nos da la vida, porque de una crisis se sale fortalecido. Por otra parte, se apuesta por el matrimonio, la fidelidad y la maternidad como recetas para aumentar el bienestar personal. Por último, ese toque mágico sirve para de algún modo realzar el largometraje con la idea de que sepamos apreciar lo que tenemos.

Una cuestión de tiempo

Víctor Alvarado | 0 comentarios valoración: 3  228 votos

Cine, el atrio de los gentiles

José María Gutiérrez Montero

En el contexto del II Congreso Signis España, ha tenido lugar la conferencia inaugural pronunciada por el Cardenal Gianfranco Ravasi, presidente del Consejo Pontificio para la Cultura. El Congreso, que tiene como título "La mirada de la fe en el cine", cuenta entre los días 17 y 18 de octubre con ponentes como Juan Orellana, presidente de Signis España y colaborador habitual de Páginas Digital, profesores de las universidades CEU, Autónoma de Madrid, Eclesiástica San Dámaso y Pontificia de Comillas entre muchas otras, y grandes personalidades del mundo del cine, como Juan Manuel Cotelo, o la directora Gracia Querejeta, cuya película "15 años y un día" ha sido designada recientemente como la representante de España en los Oscar.

La mesa inaugural del Congreso ha estado presidida por el Gran Canciller de la Universidad Eclesiástica San Dámaso, Cardenal Antonio María Rouco Varela, acompañado por el rector de la universidad, Javier Prades, el obispo de Ciudad Rodrigo, Mons. Raúl Berzosa, el Cardenal Ravasi y Juan Orellana. Javier Prades comienza resaltando la vocación universal del Congreso y de la propia universidad, en permanente diálogo con la cultura contemporánea, en especial con las bellas artes. Juan Orellana resalta la invitación del Papa Benedicto XVI a celebrar el año de la fe, agradeciendo la colaboración a las diferentes universidades. Resalta que el Congreso trata de "Abrir preguntas antes que cerrar verdades". El Congreso profundizará en las preguntas del hombre, a través de la mirada cinematográfica. El Obispo de Ciudad Rodrigo resalta el cine como atrio de los gentiles, concluyendo que "no es cierto que el cine religioso haya muerto. A Dios le seguimos encontrando en las pantallas y en las butacas. Dios, el cristianismo, no deben ser ajenos a la cultura cinematográfica."

Ya dentro de la conferencia inaugural, el Cardenal Ravasi aborda, a través de los grandes directores un recorrido sobre la mirada de la fe en el cine. Dreyer, Bresson, Bergman, Tarkovski, Buñuel, a través de sus películas, sirven de recorrido al cardenal, a través de las preguntas del hombre, y del diálogo con la cultura contemporánea. El itinerario de los diferentes directores a través del vacío, de la existencia, de las preguntas últimas, de las crisis de fe, tiene la virtud de dialogar con el hombre contemporáneo, y lanzar unas preguntas en las que todo hombre tiene algo que decir. Testimonia la fecundidad y creatividad del diálogo entre la fe y el cine. Termina el cardenal Ravasi con el punto de diálogo entre la Iglesia y el cine. La relación entre la Iglesia y el cine ha sido variada. El magisterio de los papas lo tiene presente desde Pío XI. Entre los papas más cercanos, incluso Juan Pablo II estuvo en Hollywood, o dirigió parabras a los artistas sobre su obra en relación con el misterio de Dios, y merece un punto de especial relieve el magisterio en torno a la belleza de Benedicto XVI.

El cine es, en definitiva, un reflejo de nuestro tiempo, y ya Kafka afirmaba que el cine es un nuevo modo de hacer poesía. Además de las frecuentes películas sobre el anuncio evangélico, el cine constituye un espacio único de la relación entre las preguntas del hombre y en Misterio, entre la cultura moderna y la Iglesia.

El Congreso se extiende durante los días 17 y 18 de octubre en su sede de la Universidad Eclesiástica San Dámaso, además de las múltiples sedes en las que se desarrolla.

Cine, el atrio de los gentiles

José María Gutiérrez Montero | 0 comentarios valoración: 3  177 votos
>`La gran familia española`, los Oscar y estrenos de la semana

Especial Oscar

Juan Orellana

Número especial de los vídeos de cine de Páginas Digital. Hablamos de las cuatro películas de las cuales saldrá la representante de España en los Oscar. Las películas son "La gran familia española", "15 años y un día", "Alacrán enamorado" y "Caníbal".

Además, comentamos los estrenos de la semana, entre los que están "Asalto al poder", "El espíritu del 45" y "El comandante y la cigüeña.

>`La gran familia española`, los Oscar y estrenos de la semana

Especial Oscar

Juan Orellana | 0 comentarios valoración: 3  230 votos

'La gente no oye hoy música. Son 'hijos del botellón', que intentan romper con lo de antes sin haber asumido nada de aquello'

Enrique Chuvieco

Entusiasta de la Movida madrileña, el talaverano Luis Martín Gil, cantante de Lobos Negros, lo tiene bastante claro al definir el momento musical español como “muy escaso de creatividad”, cuya conclusión es que “haya muy pocas cosas que merezcan la pena. Sólo tres o cuatro canciones” se salvarían de este páramo. En su cabeza bullen las ideas, a las que ha puesto patas y fuerzas para sacarlas adelante, como ha sido presentar recientemente la primera guitarra de cerámica de caja hueca o preparar la salida de su décimo tercer álbum, que llevará por título “Cuando la humedad del Tajo nos contamina”.

-Cómo y cuándo te enganchaste al carro del rock and roll

Uff, hace más de 35 años. Ya en Talavera formé y estuve en varios grupos. Pero al llegar a Madrid, aluciné con la Movida madrileña. Lo viví intensamente. Salieron canciones maravillosas y gente que innovó un montón. Por el contrario, hoy en día el “rollo Indie” no me mola nada.

Aquellos años en España son comparables en creatividad con la movida americana de los ochenta, es el caso de Los Ramones, Blondy… y la británica.

Aparte de lo que se hizo, creo que es un referente creativo al que hay que mirar, por lo que me parece estupendo que se estén creando actualmente museos de nuestra Movida en distintos lugares de España.

-A tu juicio, ¿cuál ha sido la época dorada de la música pop que parte del “gospel” y del blues en el Delta del Missisipi?

Esas son las raíces. Creo que los 50, 60 y 80 son momentos neurálgicos. Destacaría, por su influencia, a gente como Howling Wolf, Chuck Berry, Link Wray y los Beatles. Aportaron cantidad de cuestiones, por su energía y aprovecharon los adelantes técnicos instrumentales que se iban produciendo para innovar.

-¿Y en España?

Aparte de mucha gente de la Movida, como Antonio Vega, Nacha Pop, Burning, por el componente castizo en sus composiciones y otros muchos, no podemos olvidar a sus predecesores, como Los Salvajes o Los Brincos, estos últimos con su toque flamenquero.

-Mucha gente sucumbió a las drogas. Hay una lista demasiado larga, ¿no te parece?

Respeto a quien decida ir por ese camino, pero yo no las he probado nunca, ni se me ha ocurrido que meterme “algo” podría fomentar mi creatividad para componer mejores canciones.

-Hablando de creatividad, ¿qué opinas del momento actual que vivimos en nuestro país con relación a la música?

Observo que hay muy poca creatividad. Hay 3 ó 4 canciones como mucho que merezcan la pena. La gente no oye música hoy. Son “hijos del botellón” que intentan romper con lo de antes sin haber asumido nada de aquello. Además, no se preguntan qué les pueden aportar gente como los Beatles o la Creedence Clearwater Revival -para mí uno de los mejores grupos de la historia de los Estados Unidos- para sus composiciones.

- Desde que te montaste en este tren ¿te ha dado la música para vivir de ella? ¿Nunca has tenido que volver a recurrir a tus clases de tenis?

No, ni tampoco a la Sociología que cursé en Madrid. Hemos grabado 13 discos, hacemos actuaciones (el próximo 18 de julio en el restaurante mexicano María Bonita de Madrid), doy clases de guitarra. Aparte he colaborado en distintas películas, como la que estrenará próximamente Alex de la Iglesia, al que me une una buena amistad.

Por otro lado, está el proyecto de la primera guitarra de cerámica de caja hueca.

-¿Cómo va ese invento? ¿Estás convencido de que saldrá adelante?

Seguro que sí. Vamos a mejorar el sonido del primer prototipo que presentamos recientemente. Además, me han llegado propuestas interesadas en el proyecto de lugares tan dispares como Japón o Finlandia.

Sin más nos despedimos de este trotamundos impenitente, que permanece enganchado a lo que de novedoso va saliendo en el mercado, que nunca ha pirateado descargas, y que, eso sí, tenga que ver con la música de raíces.

'La gente no oye hoy música. Son 'hijos del botellón', que intentan romper con lo de antes sin haber asumido nada de aquello'

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La primera guitarra de cerámica para el rock & roll

Enrique Chuvieco

Ecos y vibraciones densas despedía el compás cuatro por cuatro en los dedos –uno de ellos embutido en un tubo metálico para el slide– de Luis Martín Gil. “Conseguir un sonido original –dijo–, que no existe en el mundo”, era su objetivo, en la presentación reciente de su guitarra eléctrica con el cuerpo de cerámica. Es el primer instrumento de este material construido para rock& roll, aunque no la primera en diseñarse para la música, pues ese homenaje merecido es para Paco Tito, según Youtube, quien ya preparó una en 2011 que tocó Antonio Vico.

Con todo, Martín Gil, cantante y trotamundos de Lobos Negros; Carlos Salbafrén, luthier; y el ceramista Manuel Carrillo merecen el honor de los innovadores al cristalizar un proyecto casi imposible, que vio la luz en la Sociedad General de Autores (SGAE).

Estoy de acuerdo con un amigo, quien puntualizó la total concurrencia de los medios si la presentación se hubiera producido en Estados Unidos, pero no fue así aquí y tuvo que llegar la mexicana Televisa para poner el toque mundialista al alumbramiento de esta guitarra, cuya caja es de la reconocida cerámica de Talavera. Para adelantarse a los nombramientos, y éste no podía escapársele, estaba el factotum de la música Jesús Ordovás, quién colabora en el proyecto, parido por el Lobo Negro Martín Gil, y ejecutado por Salafrén y Carrillo, como sendos amanuenses de la materia.

Cuando los estudios eran retretes

Todo un personaje este hijo de la tierra talaverana, montado a la grupa del pop como artista y erudito de la música popular del pasado siglo y de éste, que anuncia sin tapujos que su invento despunta para renovar el rock & roll en sonoridad y posibilidades. Su gesta comenzó al recordar que “muchas de las primeras grabaciones de los años 50 que se hacían en Inglaterra y Estados Unidos eran en lavabos y en portales de viviendas, porque conferían una sonoridad increíble”. En algún momento, conocido sólo por él, hiló que si aquellas reverberaciones cristalizaban en aquellos temas, por qué no podían volver a desarrollarse instrumentalmente. Aquello podría ser algo grandioso para tantos cientos de artistas que trabajan la terracota en su tierra.

Homenaje a su madre

Los ornamentos y arabescos de “Carmen Loba”, que así llama el líder de Lobos Negros al primer prototipo en honor a su madre, doña Carmen, es un ejemplo viviente de la creatividad de este pueblo toledano, cuya plana mayor se encontraba en el acto, como uno de los mecenas de esta invención musical. Pero hubo otros colaboradores que Martín Gil nombró con agradecimientos. Tanto concilio de entidades y personas demuestra que todavía estamos vivos por estas tierras donde ha ido creciendo últimamente la semilla de la pesadumbre por la tumbativa situación económica que tenemos entre manos.

Colaborar para crecer

El empeño de estos tres Quijotes y el arropamiento de otros hacen posible la obra. Nada fácil, por otro lado, como se encargaron de exponer Salafrén y Carrillo. Uno y otro explicaron las mil y una dificultades que fueron apareciendo en su largo camino; la dificultad de la terracota para obedecer las órdenes del ceramista ocasionaron varios hundimientos del material que buscaba la tierra impulsada por la gravedad; la búsqueda incesante de Salafrén por diseñar e incluir los elementos propios (mástil, pastillas, puente, botones de graves y agudos, palanca, respiradero, etc), Utilizaron el método prueba-error para superar obstáculos. Codo con codo, junto a Martín Gil, aseguraron que mejorarán el primer prototipo, -que ha costado 2500 euros- “con total seguridad en un 80%”, afirmó rotundo Martín Gil.

Quieren embarcarse en un proceso industrial cuando vayan consiguiendo el “Sonido de Talavera”, que aspiran que sea continuador de los sonidos Menphis, Liverpool, Nashville, Filadelfia o Grunge, dando un “nuevo empujón a la renovación de la música”, afirmó Martín Gil.

De Japón, Finlandia y otros lugares ha llegado el interés por el instrumento, que tuvimos el placer de oír en primicia mundial. A partir de aquel momento, el rock & roll y el blues slide ya suenan de otra manera.

La primera guitarra de cerámica para el rock & roll

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>Luis Buñuel

El cineasta que luchó contra las convenciones burguesas

Massimo Bordoni

Al genio irreverente y sarcástico de Luis Buñuel, del que se cumplen treinta años de su desaparición, debemos una de las imágenes más feroces y famosas de la historia del cine: el corte del ojo, el gesto por excelencia de la poética surrealista. Una joven mujer sentada en su casa, desde la ventana de la terraza mira la luna atravesada por una nube que parece una hoja, un hombre en la misma terraza – un joven Luis Buñuel – fuma haciendo grandes volutas de humo y afila una navaja. Se pone en pie tras ella, le alcanza los párpados con una mano mientras que con la otra le corta el ojo izquierdo en dos. Es la primera, celebérrima secuencia de Un perro andaluz (1929), cortometraje surrealista escrito por Buñuel con Salvador Dalí. Un fortísimo comienzo, una imagen sobrecogedora que tiene el sabor y el alcance de una declaración de independencia, la resonancia de un grito de invectiva, estridente y agudo, contra el buen cine hollywoodiano, alineado, conformista, idealizador de divas, bien organizado y aún mejor cardado.

Mi cine será como un puñetazo en el ojo, será la ruptura de las convenciones visuales y narrativas que habéis conocido hasta ahora, que os ha impuesto la industria cinematográfica dominante; os querré mostrar lo feo, lo sucio, lo imposible de mirar, lo inenarrable; estaréis obligados a mirar dentro de vosotros mismos, en lo profundo de vuestra psique, a repescar cosas que habríais querido dejar sepultadas. Esto es lo que parece que Luis Buñuel nos está prometiendo con esta escalofriante declaración en imágenes, emblemáticamente situada en el origen de todo su cine.

Nació en 1900 en Aragón, en una familia de terratenientes burgueses y católicos. Realizó sus estudios superiores en un colegio de jesuitas de Zaragoza, cuyas férreas reglas le instilaron ese ateísmo y anticlericalismo que serán uno de los pilares de toda su obra. Consigue en 1924 – casualmente el año del primer manifiesto surrealista de Andrè Breton – su título de Letras en la Universidad de Madrid, donde conoce y frecuenta a las jóvenes personalidades artísticas nacientes en aquellos años, como García Lorca, Salvador Dalí y el poeta Rafael Alberti. El año siguiente lo pasará en París, donde tiene sus primeros contactos con la vanguardia surrealista.

En 1929 escribe y dirige con su amigo Dalí el ya citado Un perro andaluz, su primer cortometraje, ya conocido por la claridad de sus intenciones y por su composición visual. Calificado por la crítica como “el mejor legado de las vanguardias históricas en el ámbito del cine”, el film resulta un trabajo fresco e innovador, que en cierto modo contiene ya, tanto de forma embrionaria como en acto, todo el universo estético y poético del cineasta español. A saber: fuertes sentimientos anticlericales y antiburgueses por un lado, y la poesía típica del movimiento surrealista por otro. Así, en Un perro andaluz están representadas sobre todo la mirada a las partes más profundas de la psique, la abolición del límite entre el sueño y la vigilia, la exaltación del amor loco, la adopción de la poética del ojo como centro de todo el universo fílmico surrealista. El corte del ojo se convierte así en la cruel metáfora tanto de la penetración de la mirada cinematográfica más allá de todas las fronteras, incluida la del alma, como la de la voluntaria ruptura de todos los códigos visuales precedentes, de toda mirada narrativa clásica.

>Luis Buñuel

El cineasta que luchó contra las convenciones burguesas

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